LOS MÁS GRANDES

Antes de entrar en materia me gustaría aclarar cuál es el criterio que sigo para definir a un artista u obra como referente para mi trabajo, ya que aunque el término referente sea universal hay muchas formas de interpretar el concepto, haciéndolo de este modo propio. Me he percatado que el criterio que sigo para definir mis referentes no se basa en una persona en concreto o en el conjunto de las obras de este, sino más bien en proyectos concretos, incluso en estilos o tratamientos de la propia obra, que por un motivo u otro me conmueven y me inspiran para llevar a otro nivel mi trabajo.

Siendo así, el ensayo presentado a continuación se centra más en las obras y no en los creadores por sí mismos.

MOHOLY – NAGY 

En este caso podría decir que considero toda la obra de Moholy Nagy como referente, pero lo que más me conmueve de su trabajo está centrado en su fotografía, así como en las series de fotogramas y sobretodo en la forma que tiene de tratar el collage.

Me quiero centrar especialmente en este último punto ya que cuando lo descubrí me sorprendió como usando los mínimos elementos consigue representar el espacio como un todo, en donde ninguno de estos elementos queda desplazado, sino que ayuda a entender la obra como un todo por medio de la relación respecto a los demás elementos.

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Este uso de la forma se puede trasladar tanto a los collage como a toda su obra fotogràfica, en donde mediante el encuadre consigue transmitir algo más que el simple hecho de la representación de la realidad.

En toda su obra nos da la sensación que hay una intención de dirigirse hacia la abstracción pero partiendo de una base realista, en donde extrae los elementos basándose en la forma para crear otro lenguaje, otra realidad. Desde mi punto de vista este es el aspecto más interesante de su obra, como se basa en la forma para expresar un mensaje, transmitir una sensación, dejando en cierto modo el significado del contenido, el cual puede carecer de importancia por sí mismo, para darle un valor añadido a la propia imagen basándose en su propio punto de vista, transmitiendonos así su propia visión del mundo.

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DUANE MICHALS

Lo que más me interesa de la obra de Duane Michals es como se centra toda ella en la metáfora visual. Mediante el uso de la secuencia fotográfica consigue narrar historias con movimiento usando como base la imágen estática. Gracias a la elipsis entre las fotografías de cada serie consigue otorgar de un carácter surreal a sus microhistorias, modificando la imagen para poder transmitir el mensaje deseado. Es en ese espacio en blanco, en aquello que no se muestra en donde la obra adquiere fuerza, permitiendo que la metáfora tenga sentido.

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Esta metáfora visual no se ciñe solo a sus secuencias fotográficas, Michals trabaja a su vez con la imágen estática para narrar sus historias. Acompañadas de un texto con carácter poético consigue otorgar a la fotografía de un pasado, haciendo que, de un modo sutil,  el espectador entienda la fotografía del modo que el artista quiere que sea entendida, otorgando a ésta de una historia en la que podemos apreciar parte del propio Michals.

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El aspecto más significativo y por el que defino a Duane Michals como referente es la sutileza de la que se caracterizan sus obras, en donde un simple elemento puede explicar una historia, un mensaje, una sensación, un sentimiento. Considero que en diseño es sumamente importante saber cómo comunicar y transmitir aquello que uno quiere, pero en muchas ocasiones nos vemos direccionados hacia lo obvio. Michals consigue jugar con esta obviedad hacia su favor para otorgar a lo mundano de algo más, cambiando por completo el significado de la obra dándole un valor añadido.

PAULA SCHER

Lo más interesante de la obra de Paula Scher no es solo la calidad gráfica que la representa, sino más bien ella misma como creadora. De ella quisiera destacar la concepción que tiene del diseño, y como aplica esta filosofía a su trabajo.

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Scher, en una conferencia en TED nos presenta su trabajo y evolución y nos confiesa que en muy pocas ocasiones ha considerado su trabajo de verdaderamente creativo. Ella distingue entre trabajos “Solemnes” o formales y aquellos creativos, mediante los cuales se siente realizada y considera que ha conseguido aquello que estaba buscando.Veo en esta razonamiento la razón por la cual P. Scher se define como referente de diseño, no solo a nivel personal sino a nivel mundial.

En muchas ocasiones nos vemos coartados ante la perspectiva de un nuevo proyecto ya que consideramos que este debe ser de un modo u otro, siempre ciñéndonos a un briefing previo en donde, en muchas ocasiones, la creatividad se ve condicionada y aquello que podría haber significado algo, aquello que podría haber tenido impacto, se queda en un simple “sí, funciona”…

Hay que tener en cuenta que no porque un trabajo sea formal significa que sea malo, la propia Scher nos presenta una serie de proyectos definidos por ella misma como trabajos formales, que cumplen la función, que respetan las “normas que se deben seguir”, y hay que decir que la calidad gráfica es más que notable, pero vemos en sus trabajos más creativos un valor añadido que no se ciñe a esta formalidad, en donde el propio estilo de la diseñadora emerge y vemos como en el resultado de esta creatividad reside la importancia que hace que tanto ella como su entorno profesional sufra una evolución, otorgando así de importancia tanto a su trabajo como a la profesión en sí misma.

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Uno de los conceptos que más me llamaron la atención fue la propia mutación del trabajo creativo convirtiéndose en un trabajo formal. La propia Paula Scher nos presenta la evolución de su trabajo con el proyecto de “Mapas Tipográficos”, en donde el primero de esta serie, según la propia diseñadora, es donde reside toda la creatividad.

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En los inicios del proyecto este era verdaderamente puro, ya que la creación sólo se ceñía a la propia Scher, sin fechas, sin briefing, solo ella. Al otorgar a este proyecto de carácter personal no existía límite alguno, simplemente fue experimentar por experimentar. Llegó el momento en que su trabajo empezó a tener repercusión y le pidieron que expusiera su trabajo, pero para poder hacer una exposición del proyecto debía tener más envergadura… Paula Scher nos cuenta cómo fue en ese momento en que su trabajo empezó a adquirir caràcter formal, ya que se estaba preocupando más de cumplir el plazo que no de la obra en sí misma. Su modo de trabajar cambió y pasó a adquirir patrones, y fue entonces como el proyecto perdió importancia para la propia diseñadora.

Este hecho nos hace que pensar, ya que en muchas ocasiones nos dirigimos en aquello que funciona más que no hacia lo creativo, que es lo que verdaderamente importa. Serà que al otorgar a un proyecto de caràcter comercial pierde su fuerza? no lo creo, lo que sí creo es que en muchas ocasiones nos condicionamos a nosotros mismos no dejándonos llevar y creando algo bueno pero esperado. Desde mi punto de vista es preferible “fracasar” buscando ese estilo que nos define que no adoptar uno que funcione.

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Bif Studio

En ocasiones nos encontramos con ciertos diseñadores o colectivos que su obra nos nos llama especialmente la atención, pero de entre todos los proyectos destaca uno que nos conmueve. Este es el caso de Bif estudio.

De toda su obra quiero destacar los títulos de crédito creados para el festival Playground, un festival centrado en diseño audiovisual. Este proyecto lo considero el mejor de toda su obra ya que el uso del 3d es impecable, en donde no se intenta disimular el hecho que es 3d, sino que se usa como recurso para modificar la forma del contenido, cambiando la textura y la estética para transmitir una sensación en concreto. Gracias al caràcter del proyecto BIF Studio pudo dejar a un lado la narración y centrarse exclusivamente en la técnica, experimentando con la forma para poder crear una composición, a mi modo de entender, sublime.

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Justamente lo que permitió a este proyecto relucir hace que toda su obra carezca de importancia. Desde mi punto de vista Bif centra demasiado sus esfuerzos en representar las capacidades de la técnica, en dónde el propio guión se ve influenciado por esta metodología, y hace con esto que el resultado sea mediocre.

Es curioso cómo un mismo referente puede definirse tanto como bueno como malo. En este caso Bif me ha demostrado cuál es el nivel técnico que se puede lograr, y a su vez que por muy buena que sea la técnica ésta carece de sentido si no se sustenta en un buen guión.

LEIF PODHAJSKY

Desde siempre me ha fascinado el collage como medio para la creación, por esta misma razón me gustaría presentaros una de las personas que considero que tienen más relevancia en este ámbito.

Leif Podhajsky explora la importancia de la naturaleza y la experiencia psicodélica en su obra, adentrando al espectador en un entorno nuevo pero a la vez familiar, intentando así que este mismo conecte con sigo mismo y con su entorno, del que en muchas ocasiones no somos conscientes.

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Lo que más me sorprende de su obra es como juega con lo abstracto y lo psicodélico para expresar aquello que desea, dejando entrever en muchas ocasiones atisbos de realidad, creando así una conexión entre lo real y lo surreal. Mediante la composición el artista es capaz de introducir estos dos mundos en uno solo, y así permitir al público adentrarse en su propia perspectiva de aquello que nos rodea.

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CYRIAK

Cyriak es un animador que usa el looping y la técnica del Fractal como base para sus animaciones, siempre con un carácter psicodélico, de repetición en loop y en cierto modo un tanto caótico consigue crear todo un escenario donde el ritmo es la base. Este caos presente en sus obras se caracteriza por ser un “caos” ordenado, el cual sigue un patrón para dar sentido a la obra. Vemos en la obra de Cyriak un trabajo muy bien coordinado para que todos los elementos estén en sintonía, todo y que el conjunto en sí mismo transmite al espectador un desorden y una confusión absoluta.

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Lo que más me interesa de la obra de Cyriak es la capacidad de creación que le caracteriza. Cómo es capaz de imaginar mundos alternativos partiendo de la base de lo común, creando así toda una narrativa aparentemente sin sentido en donde deja a libre interpretación su significado.

La razón por la que respeto su trabajo no es solo por la calidad de este, o el dominio de la técnica que posee el artista, sino por el hecho de haber creado un nuevo lenguaje propio, encontrando así su estilo y una representación de su imaginario.

Algunas de sus obras

NORMAN MCLAREN

Norman Mclaren es considerado uno de los padres del motion graphics y el cine experimental. Lo que más me interesa de su trabajo es como se centra en la forma para para extraer de ella, en un estado completamente puro, el mensaje que nos quiere transmitir.

Desde sus inicios Mclaren ha estado muy interesado en la abstracción por ella misma, ya que él mismo considera que el estado más puro de la forma es suficiente como medio comunicativo. Este concepto me resulta muy interesante ya que en muchas ocasiones vemos como se le intenta otorgar un valor añadido a una pieza que en realidad no lo necesita.

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Este concepto lo lleva al extremo ya que el propio artista nos comenta que en sus piezas no le gusta usar diálogos ya que los considera intrusos, como una perversión de la propia forma. De este modo vemos cómo el artista se centra exclusivamente en la música y los efectos sonoros para acompañar a esta.

Lo que más me sorprendió de Mclaren es como es capaz otorgar de vida a los elementos trabajando en un medio análogico. A diferencia de otros, Mclaren dibujaba encima del celuloide para la creación de sus animaciones, tanto imagen como sonido. Este hecho nos hace más que evidente el talento del propio artista, y su afán por experimentar con nuevas técnicas, encontrando nuevos efectos que realzan la calidad de su obra.

SAUL BASS

Siguiendo con el tratamiento de la forma en movimiento quiero hacer referencia a la persona que hizo que me interesara por aquello a lo que me quiero dedicar. Al igual que Mclaren, Saul Bass juega con la animación como medio de expresión. En este caso la animación de Bass es mucho más figurativa que la de Mclaren, no por tanto menos importante.

La obra de Bass constituye un elemento importante en la historia de los títulos de crédito cinematográfico, ya que otorga de importancia a estos con su técnica y la propia percepción de estos, creando microhistorias que presentan el carácter de la obra que va a continuación. Desde mi punto de vista esto es sumamente importante, y es algo que el propio Bass sabía con absoluta certeza. La característica que define la obra de Bass es que basa cada obra en aquello que expresa la película, a modo de introducción para que el espectador se sumerja en el propio carácter de la obra que prosigue a continuación.

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Viendo la obra de Bass se pueden entrever sus orígenes. Saul Bass empezó su carrera creativa como diseñador gráfico, poco después se fue centrado en el diseño para portadas de vinilos, en su mayoría centrándose en el género clásico. Fue en 1954 cuando realiza su primera animación para los títulos de crédito de la película “Carmen Jones” dirigida por Otto Preminger, donde se adentra en el medio cinematográfico. Todo y tener una prometedora carrera por delante en cuanto a animación, Bass nunca abandona el diseño gráfico, que pasa a formar parte como conjunto de sus obras, centrándose en el diseño de carteles para las películas.

Spike Jonze
Como ser John Malkvovich.

“Como ser John Malkovich” es una de las películas que más me ha sorprendido, y no puedo usar otra palabra más que ésta para describir la sensación que tuve al acabar el visionado. Esta película se caracteriza por tener uno de los mejores guiones, según mi opinión, que he visto. Introduciendo la narración como una historia convencional se nos va adentrando en un mundo cada vez más surreal en donde los elementos fuera de lo común son presentados como algo extraño, pero no fantástico.

La sutileza de esta película es usada como conducto para expresar los momentos dramáticos de forma cada vez más intensa, en donde temas como la identidad del ser humano y la aceptación social son tratados de la forma más profunda, haciendo una retrospectiva de aquello que nos define.

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Considero esta primera obra de Spike Jonze como una obra maestra en todos los sentidos, tanto el guión como la realización de la propia película, la cual te introduce en su mundo por completo.

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