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Antes de entrar en materia me gustaría aclarar cuál es el criterio que sigo para definir a un artista u obra como referente para mi trabajo, ya que aunque el término referente sea universal hay muchas formas de interpretar el concepto, haciéndolo de este modo propio. Me he percatado que el criterio que sigo para definir mis referentes no se basa en una persona en concreto o en el conjunto de las obras de este, sino más bien en proyectos concretos, incluso en estilos o tratamientos de la propia obra, que por un motivo u otro me conmueven y me inspiran para llevar a otro nivel mi trabajo.

Siendo así, el ensayo presentado a continuación se centra más en las obras y no en los creadores por sí mismos.

MOHOLY – NAGY 

En este caso podría decir que considero toda la obra de Moholy Nagy como referente, pero lo que más me conmueve de su trabajo está centrado en su fotografía, así como en las series de fotogramas y sobretodo en la forma que tiene de tratar el collage.

Me quiero centrar especialmente en este último punto ya que cuando lo descubrí me sorprendió como usando los mínimos elementos consigue representar el espacio como un todo, en donde ninguno de estos elementos queda desplazado, sino que ayuda a entender la obra como un todo por medio de la relación respecto a los demás elementos.

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Este uso de la forma se puede trasladar tanto a los collage como a toda su obra fotogràfica, en donde mediante el encuadre consigue transmitir algo más que el simple hecho de la representación de la realidad.

En toda su obra nos da la sensación que hay una intención de dirigirse hacia la abstracción pero partiendo de una base realista, en donde extrae los elementos basándose en la forma para crear otro lenguaje, otra realidad. Desde mi punto de vista este es el aspecto más interesante de su obra, como se basa en la forma para expresar un mensaje, transmitir una sensación, dejando en cierto modo el significado del contenido, el cual puede carecer de importancia por sí mismo, para darle un valor añadido a la propia imagen basándose en su propio punto de vista, transmitiendonos así su propia visión del mundo.

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DUANE MICHALS

Lo que más me interesa de la obra de Duane Michals es como se centra toda ella en la metáfora visual. Mediante el uso de la secuencia fotográfica consigue narrar historias con movimiento usando como base la imágen estática. Gracias a la elipsis entre las fotografías de cada serie consigue otorgar de un carácter surreal a sus microhistorias, modificando la imagen para poder transmitir el mensaje deseado. Es en ese espacio en blanco, en aquello que no se muestra en donde la obra adquiere fuerza, permitiendo que la metáfora tenga sentido.

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Esta metáfora visual no se ciñe solo a sus secuencias fotográficas, Michals trabaja a su vez con la imágen estática para narrar sus historias. Acompañadas de un texto con carácter poético consigue otorgar a la fotografía de un pasado, haciendo que, de un modo sutil,  el espectador entienda la fotografía del modo que el artista quiere que sea entendida, otorgando a ésta de una historia en la que podemos apreciar parte del propio Michals.

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El aspecto más significativo y por el que defino a Duane Michals como referente es la sutileza de la que se caracterizan sus obras, en donde un simple elemento puede explicar una historia, un mensaje, una sensación, un sentimiento. Considero que en diseño es sumamente importante saber cómo comunicar y transmitir aquello que uno quiere, pero en muchas ocasiones nos vemos direccionados hacia lo obvio. Michals consigue jugar con esta obviedad hacia su favor para otorgar a lo mundano de algo más, cambiando por completo el significado de la obra dándole un valor añadido.

PAULA SCHER

Lo más interesante de la obra de Paula Scher no es solo la calidad gráfica que la representa, sino más bien ella misma como creadora. De ella quisiera destacar la concepción que tiene del diseño, y como aplica esta filosofía a su trabajo.

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Scher, en una conferencia en TED nos presenta su trabajo y evolución y nos confiesa que en muy pocas ocasiones ha considerado su trabajo de verdaderamente creativo. Ella distingue entre trabajos “Solemnes” o formales y aquellos creativos, mediante los cuales se siente realizada y considera que ha conseguido aquello que estaba buscando.Veo en esta razonamiento la razón por la cual P. Scher se define como referente de diseño, no solo a nivel personal sino a nivel mundial.

En muchas ocasiones nos vemos coartados ante la perspectiva de un nuevo proyecto ya que consideramos que este debe ser de un modo u otro, siempre ciñéndonos a un briefing previo en donde, en muchas ocasiones, la creatividad se ve condicionada y aquello que podría haber significado algo, aquello que podría haber tenido impacto, se queda en un simple “sí, funciona”…

Hay que tener en cuenta que no porque un trabajo sea formal significa que sea malo, la propia Scher nos presenta una serie de proyectos definidos por ella misma como trabajos formales, que cumplen la función, que respetan las “normas que se deben seguir”, y hay que decir que la calidad gráfica es más que notable, pero vemos en sus trabajos más creativos un valor añadido que no se ciñe a esta formalidad, en donde el propio estilo de la diseñadora emerge y vemos como en el resultado de esta creatividad reside la importancia que hace que tanto ella como su entorno profesional sufra una evolución, otorgando así de importancia tanto a su trabajo como a la profesión en sí misma.

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Uno de los conceptos que más me llamaron la atención fue la propia mutación del trabajo creativo convirtiéndose en un trabajo formal. La propia Paula Scher nos presenta la evolución de su trabajo con el proyecto de “Mapas Tipográficos”, en donde el primero de esta serie, según la propia diseñadora, es donde reside toda la creatividad.

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En los inicios del proyecto este era verdaderamente puro, ya que la creación sólo se ceñía a la propia Scher, sin fechas, sin briefing, solo ella. Al otorgar a este proyecto de carácter personal no existía límite alguno, simplemente fue experimentar por experimentar. Llegó el momento en que su trabajo empezó a tener repercusión y le pidieron que expusiera su trabajo, pero para poder hacer una exposición del proyecto debía tener más envergadura… Paula Scher nos cuenta cómo fue en ese momento en que su trabajo empezó a adquirir caràcter formal, ya que se estaba preocupando más de cumplir el plazo que no de la obra en sí misma. Su modo de trabajar cambió y pasó a adquirir patrones, y fue entonces como el proyecto perdió importancia para la propia diseñadora.

Este hecho nos hace que pensar, ya que en muchas ocasiones nos dirigimos en aquello que funciona más que no hacia lo creativo, que es lo que verdaderamente importa. Serà que al otorgar a un proyecto de caràcter comercial pierde su fuerza? no lo creo, lo que sí creo es que en muchas ocasiones nos condicionamos a nosotros mismos no dejándonos llevar y creando algo bueno pero esperado. Desde mi punto de vista es preferible “fracasar” buscando ese estilo que nos define que no adoptar uno que funcione.

Playground Titles 2014
Bif Studio

En ocasiones nos encontramos con ciertos diseñadores o colectivos que su obra nos nos llama especialmente la atención, pero de entre todos los proyectos destaca uno que nos conmueve. Este es el caso de Bif estudio.

De toda su obra quiero destacar los títulos de crédito creados para el festival Playground, un festival centrado en diseño audiovisual. Este proyecto lo considero el mejor de toda su obra ya que el uso del 3d es impecable, en donde no se intenta disimular el hecho que es 3d, sino que se usa como recurso para modificar la forma del contenido, cambiando la textura y la estética para transmitir una sensación en concreto. Gracias al caràcter del proyecto BIF Studio pudo dejar a un lado la narración y centrarse exclusivamente en la técnica, experimentando con la forma para poder crear una composición, a mi modo de entender, sublime.

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Justamente lo que permitió a este proyecto relucir hace que toda su obra carezca de importancia. Desde mi punto de vista Bif centra demasiado sus esfuerzos en representar las capacidades de la técnica, en dónde el propio guión se ve influenciado por esta metodología, y hace con esto que el resultado sea mediocre.

Es curioso cómo un mismo referente puede definirse tanto como bueno como malo. En este caso Bif me ha demostrado cuál es el nivel técnico que se puede lograr, y a su vez que por muy buena que sea la técnica ésta carece de sentido si no se sustenta en un buen guión.

LEIF PODHAJSKY

Desde siempre me ha fascinado el collage como medio para la creación, por esta misma razón me gustaría presentaros una de las personas que considero que tienen más relevancia en este ámbito.

Leif Podhajsky explora la importancia de la naturaleza y la experiencia psicodélica en su obra, adentrando al espectador en un entorno nuevo pero a la vez familiar, intentando así que este mismo conecte con sigo mismo y con su entorno, del que en muchas ocasiones no somos conscientes.

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Lo que más me sorprende de su obra es como juega con lo abstracto y lo psicodélico para expresar aquello que desea, dejando entrever en muchas ocasiones atisbos de realidad, creando así una conexión entre lo real y lo surreal. Mediante la composición el artista es capaz de introducir estos dos mundos en uno solo, y así permitir al público adentrarse en su propia perspectiva de aquello que nos rodea.

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CYRIAK

Cyriak es un animador que usa el looping y la técnica del Fractal como base para sus animaciones, siempre con un carácter psicodélico, de repetición en loop y en cierto modo un tanto caótico consigue crear todo un escenario donde el ritmo es la base. Este caos presente en sus obras se caracteriza por ser un “caos” ordenado, el cual sigue un patrón para dar sentido a la obra. Vemos en la obra de Cyriak un trabajo muy bien coordinado para que todos los elementos estén en sintonía, todo y que el conjunto en sí mismo transmite al espectador un desorden y una confusión absoluta.

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Lo que más me interesa de la obra de Cyriak es la capacidad de creación que le caracteriza. Cómo es capaz de imaginar mundos alternativos partiendo de la base de lo común, creando así toda una narrativa aparentemente sin sentido en donde deja a libre interpretación su significado.

La razón por la que respeto su trabajo no es solo por la calidad de este, o el dominio de la técnica que posee el artista, sino por el hecho de haber creado un nuevo lenguaje propio, encontrando así su estilo y una representación de su imaginario.

Algunas de sus obras

NORMAN MCLAREN

Norman Mclaren es considerado uno de los padres del motion graphics y el cine experimental. Lo que más me interesa de su trabajo es como se centra en la forma para para extraer de ella, en un estado completamente puro, el mensaje que nos quiere transmitir.

Desde sus inicios Mclaren ha estado muy interesado en la abstracción por ella misma, ya que él mismo considera que el estado más puro de la forma es suficiente como medio comunicativo. Este concepto me resulta muy interesante ya que en muchas ocasiones vemos como se le intenta otorgar un valor añadido a una pieza que en realidad no lo necesita.

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Este concepto lo lleva al extremo ya que el propio artista nos comenta que en sus piezas no le gusta usar diálogos ya que los considera intrusos, como una perversión de la propia forma. De este modo vemos cómo el artista se centra exclusivamente en la música y los efectos sonoros para acompañar a esta.

Lo que más me sorprendió de Mclaren es como es capaz otorgar de vida a los elementos trabajando en un medio análogico. A diferencia de otros, Mclaren dibujaba encima del celuloide para la creación de sus animaciones, tanto imagen como sonido. Este hecho nos hace más que evidente el talento del propio artista, y su afán por experimentar con nuevas técnicas, encontrando nuevos efectos que realzan la calidad de su obra.

SAUL BASS

Siguiendo con el tratamiento de la forma en movimiento quiero hacer referencia a la persona que hizo que me interesara por aquello a lo que me quiero dedicar. Al igual que Mclaren, Saul Bass juega con la animación como medio de expresión. En este caso la animación de Bass es mucho más figurativa que la de Mclaren, no por tanto menos importante.

La obra de Bass constituye un elemento importante en la historia de los títulos de crédito cinematográfico, ya que otorga de importancia a estos con su técnica y la propia percepción de estos, creando microhistorias que presentan el carácter de la obra que va a continuación. Desde mi punto de vista esto es sumamente importante, y es algo que el propio Bass sabía con absoluta certeza. La característica que define la obra de Bass es que basa cada obra en aquello que expresa la película, a modo de introducción para que el espectador se sumerja en el propio carácter de la obra que prosigue a continuación.

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Viendo la obra de Bass se pueden entrever sus orígenes. Saul Bass empezó su carrera creativa como diseñador gráfico, poco después se fue centrado en el diseño para portadas de vinilos, en su mayoría centrándose en el género clásico. Fue en 1954 cuando realiza su primera animación para los títulos de crédito de la película “Carmen Jones” dirigida por Otto Preminger, donde se adentra en el medio cinematográfico. Todo y tener una prometedora carrera por delante en cuanto a animación, Bass nunca abandona el diseño gráfico, que pasa a formar parte como conjunto de sus obras, centrándose en el diseño de carteles para las películas.

Spike Jonze
Como ser John Malkvovich.

“Como ser John Malkovich” es una de las películas que más me ha sorprendido, y no puedo usar otra palabra más que ésta para describir la sensación que tuve al acabar el visionado. Esta película se caracteriza por tener uno de los mejores guiones, según mi opinión, que he visto. Introduciendo la narración como una historia convencional se nos va adentrando en un mundo cada vez más surreal en donde los elementos fuera de lo común son presentados como algo extraño, pero no fantástico.

La sutileza de esta película es usada como conducto para expresar los momentos dramáticos de forma cada vez más intensa, en donde temas como la identidad del ser humano y la aceptación social son tratados de la forma más profunda, haciendo una retrospectiva de aquello que nos define.

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Considero esta primera obra de Spike Jonze como una obra maestra en todos los sentidos, tanto el guión como la realización de la propia película, la cual te introduce en su mundo por completo.

The Gif Makers

Richard Balzer
Micäel Reynaud
Matt Lucas

En muchas ocasiones cuando nos oímos la palabra Gif la relacionamos con el concepto Meme, algo que por sí mismo no tiene sentido alguno, que corre por internet simplemente para entretener. En cierto es completamente comprensible dado a las características del medio, ya que dado a sus “limitaciones” en muchos casos no es posible explicar una historia con la técnica del loop.

Estos tres artistas nos demuestran con sus obras que definitivamente un Gif puede llegar a ser algo más, en donde se deja una total libertad tanto a la creación como a la interpretación en sí misma.

Richard Balzer

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Micäel Reynaud

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Matt Lucas

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SINN + FORM

Siento el deber de compartir con todos vosotros esta sesión en vivo de Frank Bretschneider y Pierce Warnecke presentado el trabajo SINN + FORM.

En este espectáculo audiovisual Bretschneider (música) colabora con Warnecke (visuales) para la presentación del su último trabajo musical, un disco que explora el caos existente en el mundo a nivel fundamental, partiendo de modelos y teorías físicas y matemáticas, y cómo el ser humano intenta constantemente reconocer, predecir y controlar este mundo.

Para la elaboración de este proyecto el artista musical usa un sistema de sintetizadores que producen un constante flujo aleatorio cambiando todos los parámetros de la propia herramienta, en donde Bretschneider intenta controlarlo, representando así al hombre intentando controlar el mundo.

Lo que más me llamó la atención de esta performance fue la actuación de Pierce Warnecke con su creación analógica de audiovisuales, en donde usa un medio físico para proyectar una serie de patrones en movimiento que van en conjunto con la propia obra de Bretschneider.

Encuentro sumamente interesante cómo Warnecke ha prescindido del medio digital para centrarse en la creación analógica de los visuales, dejando así entrever de forma más evidente la manipulación del ser humano sobre todo aquello que lo rodea.

Daybreak express
D.A Pennebaker

Me gustaría compartir esta obra de D.A. Pennebaker ya que se convirtió hace tiempo ya en uno de mis principales referentes para la creación audiovisual. En este corto de apenas 5 minutos sin aparente guión o estructura vemos como el director nos muestra el ritmo de una ciudad que nunca duerme. Mediante la forma, la velocidad y el montaje nos transmite un mensaje que se convierte en personal por su carácter subjetivo, en donde cada uno de nosotros percibimos la obra de una forma concreta gracias a su carácter abstracto.

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Desde mi punto de vista considero que “Daybreak Express” nos muestra la propia visión del director sin ningún tipo de ataduras, de normas preestablecidas o patrones a seguir. Siendo así en esta obra reside una libertad extrema a la hora de plantear el proyecto. En muchas ocasiones nos vemos forzados o condicionados por aquello que queremos decir y por el como, pensando (en muchas ocasiones demasiado) el resultado final antes de saber incluso el concepto que queremos transmitir. En “Daybreak express” parece no haber esta dificultad. El concepto es sencillo, la temática simple, lo más importante de esta obra es el cómo, no el porqué. El porqué es más bien un porqué no, y ahí es donde reside la verdadera magia de esta pieza.
Una vez un profesor que tuve me dijo: “ Cuando tengas que grabar un documental, olvídate del guión, eso vendrá después, simplemente graba todo lo que puedas “. Viendo estas imágenes me percato de cuánta razón tenía.

Vemos en Don’t Look Back, el documental filmado por el mismo director sobre la gira de Bob Dylan por Inglaterra en la primavera de 1965, el mismo carácter que en Daybreak express, la misma naturalidad en las imágenes, la misma realidad. En esta obra D.A. Pennebaker no pretende hacer un documental sobre música, sino sobre el propio el propio Bob Dylan y su percepción de esta, su modo de creación. De este modo Pennebaker se centró en el propio proceso, intentando adquirir el máximo material posible sin un guión marcado para dejar que la narración se crease a sí misma.

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Lo que más me sorprendió de este documental fue la forma de filmar del propio director, ya que mediante se nos presenta una obra en donde en ocasiones el movimiento resulta abrupto, en donde el encuadre es extremadamente cerrado y el seguimiento que hace la cámara para mostrar los personajes se caracteriza por ser un tanto inquieto. Todos estos conceptos aparentemente “negativos” en esta obra coexisten de forma perfecta, ya que ese encuadre “extremadamente cerrado” se nos proporciona un acercamiento a la propia situación, ese movimiento “abrupto” le da naturalidad y vitalidad a la imagen, y el seguimiento “inquieto” de la cámara nos introduce en la escena como un individuo más, haciendo la situación mucho más real y alejando al espectador de su condición pasiva.

Con esta obra aprendí que en ciertas ocasiones tendemos a ser demasiado conservadores con la cámara e intentamos mostrar todo aquello que se nos presenta… por miedo de perder la totalidad de la situación dejamos de lado aquellos detalles que de verdad importan, aquellos que aportan un verdadero sentido a la obra. De este modo me percaté que es mejor perder un plano aparentemente “bueno” buscando aquel en el que reside la verdadera esencia de la acción.

Solaris

Julia Borovaya – Idea curation
Edward Rakhmanov – Robotic system, chemistry
Alexander Kaplan – Magnetic pool
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El vínculo que une a estos dos artistas se centra en el arte, la ciencia y la tecnología. Julia Borovaya y Edward Rakhmanov llevan tiempo colaborando en distintos proyectos experimentando con la realidad desde un punto de vista en donde la naturaleza, biología y tecnología se unen para comunicar nuevos significados de realidad.

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En esta instalación Julia Borovaya trabaja con el concepto de conciencia de nuestra propia persona, en donde pensamos conocerlo todo sobre nuestro entorno y de nosotros mismos y en realidad nuestro interior resulta ser aquello que más desconocemos. De este modo nos presenta una obra en donde se nos muestra aquello que es fisicamente imposible que nosotros podamos llegar a percibir, nuestra actividad cerebral.

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Solaris refleja este concepto mediante la interacción de la propia mente con el entorno, en donde los impulsos cerebrales son transmitidos de forma “física” a una superficie líquida fluorescente que muta resultado de nuestra actividad mental, de este modo el usuario es capaz de ver de forma tangible estos impulsos y poder traducir este “lenguaje” en un reflejo de su propia persona. La obra Solaris va más allá de la mera representación, ya que el resultado visual obtenido varía según el estado de ánimo del usuario.

Para poder realizar este proyecto se ideo un receptor para captar los impulsos cerebrales de nuestro organismo y mediante Arduino se transmite este código a un imán que reacciona para poder crear la forma en el superficie líquida.

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Lo más interesante de esta obra es que mediante una interacción prolongada con la obra los propios usuarios han experimentado un control sobre la obra misma a un nivel subconsciente, pudiendo controlar la obra y su resultado a su voluntad.

Herramientas para llevar a cabo el proyecto;

hardware:

– Emotiv Epoc
      Receptor de los impulsos cerebrales.
– Iman
– Arduino uno
– 2 motores DC
– 2 impulsores

Software:

– EPOC controle pannel
– Mind your OSC
– Data

Proyectos relacionados:

10 Pieces Of Music Created With Brainwaves

Lo feo no se vende
Raymon Loewy

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Recomiendo fervientemente “Lo feo no se vende” para todos aquellos que quieran entender tanto la historia como el proceso de desarrollo del diseño, con un enfoque más centrado en todo aquello referente al diseño industrial. Desde una narrativa autobiográfica Raymon Loewy nos presenta su experiencia y evolución en esta profesión, en donde podemos entrever los fundamentos y los porqués del propio desarrollo del oficio. Siendo una obra amena y comunicativa se nos transmite tanto el cambio que ha sufrido el diseño a lo largo de los años como la propia personalidad de R. Loewy, uno de nuestros mayores referentes.

El otro día me di cuenta de un hecho que me hizo reflexionar sobre mi propio ritmo de vida y como nos vemos absorbidos por nuestra propia rutina, que sin darnos cuenta se apropia de todo aquello que es importante para nosotros.

De este modo me percate de que no dedicaba el suficiente tiempo a ver en primera persona y descubrir aquello que estaba pasando a nivel cultural en mi entorno. Así que decidí tomarme un día y hacer una ruta.

Este fue mi itinerario:

Xcèntric (CCCB)
Biblioteca del Macba
Tristan Perich Ângels Barcelona
RÉSERVOIR La Capella
Sophie Calle La Virreina

Xcèntric, el cine del CCCB

El Archivo Xcèntric del CCCB se define como el apartado de cine experimental y de autor del CCCB.
La peculiaridad que define Xcèntric es que el esfuerzo que han hecho sus creadores va destinado a crear una conexión entre ese cine que ha quedado apartado del sistema, un cine que por sus características no tiene cabida en un mundo comercial como el nuestro. La propuesta de Xcèntric no es solo innovadora sino que nos proporciona una vía alternativa para aprender i abrir nuestra mente delante de un cine que en muchas ocasiones puede que descartemos por ser peculiar, pero lo que nos ha enseñado la vida es que lo peculiar es justamente aquello a lo que tenemos que centrar nuestra atención.

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El CCCB con esta sección no solo nos aporta la posibilidad de asistir a las proyecciones o a las presentaciones regulares en su auditorio, si no que ahora Xcèntric se ha convertido en un amplio catálogo con más de 700 títulos en donde podemos disfrutar nosotros mismos en su sala de proyecciones, libres de cualquier programa, en donde nos dan la oportunidad de decidir aquello nuevo que queremos descubrir.

Como valor añadido desde Xcèntric podemos disfrutar de Xperimenta, un encuentro de expertos en cine experimental  en donde se reúnen con una mentalidad de “mesa redonda” para debatir y investigar tanto sobre el pasado como del futuro de esta vertiente del séptimo arte.

Desde mi punto de vista la propuesta que hace el CCCB con Xcèntric no se puede definir de otro modo que necesaria. Encuentro que la labor que se consigue con esta nos da la oportunidad de enriquecernos tanto profesional como personalmente proporcionando una vía directa a aquello que amamos.

La biblioteca del Macba

La biblioteca del Macba puede que sea desconocida por muchos pero en ella nos encontramos con un archivo más que completo de todo aquello relacionado con arte contemporáneo. Un lugar donde refugiarse de todo aquello que nos rodea y aprovechar para leer y disfrutar de aquellos que más saben, y así acabar siendo uno de ellos.

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Tristan Perich
Àngels Barcelona

En la galería Àngels Barcelona es presentada la obra de Tristan Perich, una obra que nos acerca al lado más puro de la frecuencia sonora unido con el código binario como elemento comunicativo para la difusión de esta. La unión de matemáticas, sonido y tecnología hace posible que se nos presenten 3 obras en las que el artista experimenta de distinto modo con la representación del sonido y de las matemáticas.

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En esta obra Tristan Perico juega con el código binario para establecer un patrón en el que es representada gráficamente la secuencia numérica. Con un sistema de poleas unidas a un bolígrafo vemos como se va creando un mural en blanco y negro fruto de la tecnología.

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Al estar delante de esta obra y observar como se va desarrollando nos quedamos maravillados al ver este proceso, ya que nos damos cuenta de que mediante código se esta creando “arte”, pero en cierto modo no puedo evitar sentir una cierta indiferencia hacia el resultado final, ya que a consecuencia de la programación aleatoria esta obra carece de sentido.

Desde mi punto de vista es sumamente importante la conciencia de todo el proceso para conseguir un resultado concreto, aquello que buscamos, aquello que queremos expresar. De este modo vemos que el resultado carece de importancia, pero Tristan Perich no centra su concepto en el resultado, si no en el hecho de la comunicación y representación de la secuencia matemática, que si que resulta interesante. Aún así, en esta obra influyen otros aspectos ajenos a la programación de Tristan Perich que nos hacen dudar de la obra como conjunto. En la “estructura creadora” vemos como el sistema usado para sujetar el bolígrafo carece de la rigidez suficiente como para “transmitir” de forma correcta ese patrón. Con esto vemos como el bolígrafo más dibujar, acierta, y considero que acertar no es suficiente…

Octave – 2015

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En la obra Octave el artista se centra en la representación de la frecuencia sonora en su forma más pura. Usando 300 altavoces hace sonar 300 frecuencias distintas distribuidas a distancias iguales en orden ascendente a lo largo de una octava de Do a Do. Desde la distancia el oído humano no es capaz de reconocer los distintos tonos y la sensación que se nos transmite es más cercana al concepto de ruido. A medida que nos vamos acercando estas frecuencias van cogiendo forma para desvelar el tono que se quiere representar y así hacerlo accesible para el público. De este modo el artista nos muestra el origen de cada onda sonora. Es interesante poder desvelar cada una de estas frecuencias ya que nos percatamos a un nivel casi subconsciente de la composición del sonido y no podemos evitar compararlo con la música que estamos acostumbrados a escuchar a diario desde nuestros dispositivos electrónicos.

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Esta obra la considero la más importante de toda la exposición. El artista crea un sinfonía basada en un solo bit. Al oír la palabra “Bit” nos viene a la cabeza el concepto de unidad, algo que es por definición inalterable. Tristan Perich nos demuestra que estamos equivocados ya que mediante la “transformación” con código binario de la frecuencia de este bit consigue crear distintos tonos y ritmos en los que vemos representado el cambio de la unidad más básica de la frecuencia sonora.

El artista nos presenta esta obra con una caja de cd como contenedor del circuito electrónico que crea el bit, una representación directa y sin intermediarios (el disco) de lo que es el sonido electrónico. Pero lo más importante no es este circuito, si no el libro que representa todo el recorrido binario que debe hacer este bit para cambiar de frecuencia, ahí es donde reside la verdadera prueba de la unión entre matemática y el mundo sonoro.

Reservoir
La Capella
Comisario: Manel Clot

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La exposición “Reservoir” en “La Capella” se centra en el propio comisario para mostrar la trayectoria artística seguida durante todos sus años de experiencia. En esta exposición vemos un recopilatorio organizado de forma caótica, en el buen sentido de la palabra, de todos los nexos con el mundo del arte por medio de la propia trayectoria de los artistas más allegados a él. En “La Capella” podemos ver obras de Carles Congost, Javier Peñafiel, Joan Morey, Luz Broto, Francesc Ruiz… que con su trabajo muestran el reflejo de los intereses del propio Manel Clot y nos comunican sus intereses e inquietudes.

Modus Vivendi – Sophie Calle
La Virreina

En Modus Vivendi se nos presenta una retrospectiva de la obra de Sophie Calle en donde se muestra su obra desde 1980 hasta la actualidad usando como centro a la propia artista, y aquello que la rodea, lo ajeno.

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En la sección de “lo ajeno” vemos como se hace una mirada introspectiva al concepto de percepción de la belleza. “ Les Aveugles”(1986) es la pieza que abre esta sección en donde se muestran las respuestas de gente ciega de nacimiento cuando se les pregunta que es para ellas la belleza. En muchas ocasiones vemos como las respuestas obtenidas son un reflejo del entorno de un modo más sensorial, o incluso del entorno de otros al ser transmitido de un modo concreto, donde ellos lo percibieron como verdadera belleza.

Esta sección me resulto extremadamente interesante al ver como mediante la visión de aquellos que tienen una visión distinta del entorno se nos transmite una percepción incluso más profunda de lo que es la belleza, una visión más sutil, más pura en cierto modo.

Dejando atrás la sección de “lo ajeno” entramos en el sección más centrada en la propia artista, en donde se nos muestra su desarrollo creando una hipotética autobiografía que la representa.

Para la próxima

Democracia – “No hay espectadores”
Arts Santa Mónica

La exposición no hay espectadores nos muestra una retrospectiva de la obra del colectivo “Democracia”, en donde se recogen los trabajos realizados durante los últimos 8 años. Con metáforas visuales cargadas de contenido socio-político y convertidos en iconos de contracultura llaman al espectador a romper con la pasividad social y responsabilizarse adoptando una posición crítica frente a los sistemas de propaganda subversiva que, gobiernos y corporaciones usan para domesticar a la sociedad.

Como valor añadido en la exposición podremos ver obras de 5 artistas más, los cuales comparten con “Democracia” de cambiar la visión de la sociedad actual hacia una en que se haga una mirada crítica a todo aquello que nos rodea.